一、 脱箱及音场
脱箱既感觉不到音箱的存在，是形成音场的前提。若按照三三一或三一七比例法摆位，两只音箱的连线为台口，乐团在音箱后展开，定音鼓或大鼓的位置在最后排，与音箱连线的距离是音场深度。木管乐器在音箱中间位置相对稍后，弦乐位于两侧相对略前，表现出音场的宽度。若测试协奏曲，独奏乐器位于近台口处，乐团则成包绕状在其后展开（人声相仿）。唱片录音、混音不同，表现也不尽相同。

二、 齐奏与弱音

齐奏时每组乐器的位置清楚，重点乐器清晰突出，非常自然的让人注意到，就像现场会很自然的去看那里一样。尤其是低音贝斯、低音号、大鼓的解析、质感表现。而弱音时的清晰质感更是相当重要，包括乐团发出的弦外音，是营造空间感重要因素，但仍是重点突出，瑕不掩瑜。如：DG老罗、卡拉扬版德沃夏克大协，开始至独奏大提琴出来前，应该可以很好的感觉齐奏尤其是弱音时的表现。两者的平衡是调整的关键。

三、 干净和准确

录音背景的底噪甚至包括有些低频的呼呼声，是必须的，正是这些营造或还原出了现场感。干净是指乐器的质感和分辩度，多种乐器发声不混杂。而准确则是乐器或群体定位精准，没有相位漂移。但有些录音本身就存在些问题，还说DG那张德大，独奏大提琴刚出来时，稍有自左向中的感觉，但定位是越来越准。而洛可可中的独奏大提琴定位则是一直极为准确，也许是企鹅只是评价洛可可三星的原因吧。（玩笑）

四、 泛音或弹性

泛音应该是全频存在的，只是中、高频突显常称为泛音而已，泛音丰富是声音悦耳的前提，或可解释为味道。而弹性应是中、低频乐器的泛音，是中、低频乐器质感的保证，木头味儿、琴腔感、鼓皮声或是指此。

五、 低音

投资、调整，一切折腾到最后可能都会集中在低音。为此特意选择迪图瓦、梅塔、姐夫、郑明勋等健在大师指挥费城交响乐团、德累斯顿、班贝格、马林斯基等世界一线团及穆特、麦斯基等一流独奏家的现场演出。不惜血本购买音乐厅几近皇帝位（皇帝位不售票）仔细聆听、认真鉴赏。从未有什么裤脚生风、惊天动地的感觉，而是清晰且有节制的低音铺垫而毫无干扰。

综上感到音响性与音乐性结合的极为重要。无论入门器材还是天价名器，搭配、调整最为关键，若以现场为标准，区别只是能还原现场的多少和程度而已。同时必须认识到现场一些较偏、较高的位置，很容易产生盲人摸象的错觉而误导听感。找到现场为参考声，做好搭配、环境、摆位，利用线材、谐振等调整手段，人人都可成为调音高手，只是根据个人喜好和器材级别情况，找到各自的妥协点罢了。
上述观点不当之处，望诸位多多指正。

精彩的体会！
非常赞同五，音乐厅现场的低频与过于重视低频量感系统的低频截然不同！肥大的低频在现场根本就听不到！

正是由于有“五”的存在，才造就了家庭音响系统在听这些大部头作品时产生的强烈低音的过瘾感觉！

这个要一分为二的说。
如果你坐在一个大型音乐厅的前五排甚至更靠前，那么现场真实的低频量感所带来的宽容度是再高级的系统也没办法比拟的。
另外一方面，以上交音乐厅为例，越现代的音乐厅对于中低频的塑造不如老厅，时代在变，人们的审美情趣也在变，为了能让声音的细节更多更清晰，现代音乐厅对于中高频透明度的看重可能会影响到浓郁的低频的塑造，即声音会变得更加轻盈而非老派的厚重。

把“第四点”做好，“第五点”不应存在问题，我感觉家庭音响系统的低音满足不了“第四点”的要求，它的低音是为了烘托气氛的。

楼上说的，我认同。
就以广州星海音乐厅和新落成的广州大剧院为例：大剧院明显就低频不足，在星海听交响，整体丰满度确实好很多。当然，不排除，大剧院要表现歌剧的人声的穿透力，而要特别表现中高频的通透度，调音上偏向中高。

珠玉纷呈，由浅入深，好有启发意义。

非常好的体会。

我经常去国家大剧院听现场，基本都是前5排的位置，现场的低频量感真是没有前段时间听过的某国产新锐音箱的量感多。

没错！家里肯定出不来现场的声音！

没错，赞同

每个音乐厅都有最标准的位置，要找参考声必须选择那个区域。否则音响就很难调正确。