以前陆续都有谈到录音的话题，我也准备以此给各位老兄灌灌水。发烧友都说音响是还原录音里的信息，怎么知道录音里有那些信息？知道中国录音有那些独特的信息？知道老外怎么看我们的录音？

每年在广州都要举办一次录音作品的评选活动，主办人把它命名叫“声响中国”活动。2006年是第二届，《留声机中文版》杂志连续小篇幅刊发“声响中国”的内容。11月号刊发了汉斯•尼尔森（Hans Nielsen）的专访。在访问中，他对这次在广州举办的第二届“声响中国”活动作所做的评论部分，特别耐人寻味。

汉斯•尼尔森，丹麦录音师，这次“声响中国”的评选活动特邀嘉宾，评委会主席。

他说，“如今，录音的概念越加模糊了。因此，评选中出现了若干通过电脑波表合成的电子音乐。这类音乐的生成，无需借助常规的录音麦克风拾音和后期缩混，属于MIDI类型。10岁的小孩都能做，读着使用说明，按几个按扭，就有了音乐。许多世界音乐和流行音乐，都是用波表合成的。”

他提议，“在以后的比赛中，为电子合成音乐和常规录制的音乐配备二组评委，不失为解决之道。”

汉斯•尼尔森讲述了中西录音理念的不同。他把这些不同归于审美差异，不是良莠之分。他说，“比如在现场录音，乐队演奏时候，中国录音师偏爱老式的做法，把麦克风放置于很远的地方”，他喜欢近距离拾音：“传统的做法让你感到乐队的庞大，现在流行的则是声相定位，让你清楚地辨别大提琴在哪里。”

汉斯•尼尔森所举的另一个例子是，“亚洲录音师后期制作时加入人工混响。一款录音棚内录制的管弦乐中，每当有打击乐或弦乐组的顿弓出现时，人工混响便特别突兀。有人会说是录音棚的混响不够，不是录音师的错。这恰恰是录音师的责任。”

他说，“人工混响在流行音乐和摇滚音乐广泛使用，是在大约25年前。国内的录音师视之为宝，结果，大部分录音都像在澡堂或厕所录制的。”他对音乐中打击乐的力度也甚为不解，觉得打击乐的力度太强，小鼓的音量比低音大鼓还要高。

发烧值得关注的录音，就是“声响中国”评委会主席尼尔森所说的，并不是所有的录音，都值得探讨的。有价值有意义的，仅是一部分音乐录音，即原声录音的音乐，而非电声制作的音乐录音。通俗的说，就是古典音乐与爵士音乐为主的音乐录音。

尼尔森说的“如今录音的概念越加模糊了”，其实是批评我们的录音界、音响界，自己把一些简单的东西搞复杂、搞混乱了。他说“因此，评选中出现了若干通过电脑波表合成的电子音乐。”他的这些话听来，似乎在告诉我们，用电声制作的录音，根本不值得这么专注，更不值得来评奖。

目前有不少专业的人，也十分看中电声录音。如何处理中国的这一现实矛盾？汉斯•尼尔森有一个建议，分二个班子。这是个中肯建议，也是个嘲讽。

这里涉及到了几个分歧点：音响重播的是音乐，是现场，是录音信息，还是自己需要的声音？换言之，音乐音响的重播是否有标准，他是客观的，是唯一的吗？

为了简单明了一些，我愿意接受“音乐音响”这个观点。如果要界定一下，这个“音响”更多的是指原声乐器自然发声的音乐音响。

几乎所有的音响BBS都有一些人持有相反观点，为此经常有专门的争论。立体声        这里前一阶段，斑竹电视也提出了探讨这个方面问题的一个观点。这个话题的重大雾区，有几个方面原因，但主要还是我们都不了解录音，不了解现场。

专业的领域，一般把目前的立体声聆听分为二类，耳机立体声聆听和空间立体声聆听。简单说，一类是用耳机的，一类是在房间里用音箱的。

我在电视他们的立体声论坛 http：//lts.bbs.net 谈过这个话题，并转贴了一些图。这些图也许一下子不大看得明白，请允许我做一点简单又基本的说明。

录音的过程，最简单可以分为前后二个步骤，即前期录音和后期处理。

前期录音，一般简单说他的过程是，话筒拾音→调音台→多轨录音。后期处理简单说，包括的过程是，多轨录音机→调音台→立体声(双轨)录音机。

前期录音的难点,说白了就是话筒摆位；后期处理比较复杂。说的简单又直接，就是把若干单声道的信号经过调音台的声像电位器，按照比例“分配”到左右声道，同时加载必要的声场信息。这个过程按专业的叫“缩混”。

后期处理，可以说是录音师对前期录音素材的加工处理.如声像的分配，各个声部音响的平衡，音色的调整和动态的调整，还有二点是体现录音师个性的处理，一个是透明感的表达，这个实在说不清楚；另一个是对各类特殊录音现场空间声音的再现，也有人说就是声场塑造。

多轨录音使用的周边设备主要有，频率处理用的均衡器、激励器，时间处理用的延时器、混响器、多重效果处理器，动态处理用的压缩器、限幅器、扩展器和降噪器等。

现在音响市场90%以上的是采用多轨录音。从音乐音响的录音角度来看，内容主要是流行音乐、电影音乐等，也有一部分古典音乐录音，因此也可以说多轨录音，基本成为标准的模式。

所谓多轨录音，从根本上来说，他是强度差录音的一大类。强度差录音相对来说，是属于一次合成的录音。但多轨录音不是一次合成的。他最大的不同是，前期可以对各声道分期录音，即所谓分期分轨；也可以声道同期进行，即所谓同期分轨。

分轨的录音,一般前期声音收录的是单声道，立体声是依靠后期处理出来的效果。他最终的每一个声道在立体声重放中的位置，都是录音师后期处理出来的。从这个意义上不难理解，为什么有那么多风格迥异的录音，为什么总有人想美化声音表现自我。

立体声录音方法，简单说主要依据的是人耳的听感特性。人的双耳都有固定的距离，一般在20cm左右，如果声源偏离了听音者正前方的主轴方向，达到两耳的声音就会产生差别，人的听觉系统根据这个差别就会判断声源的方位。人耳的距离差别是因为4个物理因素产生的，就是声音到达两耳的时间差、强度差，相位差，音色差。利用这个差别,产生了不同的录音方式。

从音乐音响的角度看，常见的多轨录音，最大不足就是录音师人为造作的太多，声音容易不自然。大概因此，音乐音响的录音，尤其是乐队类的录音，更多的是采用一次合成的前期录音。

话筒是录音中，拾音的唯一工具，他有多种类型，也有多种不同分类。按构造分类有电动式、电容式、电磁式等8大类；按方向性分类有全指向、8字形指向、心形指向等6大类；还有其他的不同分类方法，如适用范围的分类，录音用的，声音测量用的等。话筒的分类很复杂，一般关注的是：不同话筒的指向性，摆位时候话筒主轴张开角度，话筒之间的间隔距离等。这些决定了各种不同摆位形成的的20种以上的基本拾音方法，主要可以分为几个大类。

AB式，时间差拾音，其中最著名的是Decca Tree“笛卡树”。XY式，强度差拾音。混合式，时间差与强度差的混合，主要有NOS， EBS， DIN， RAI， OLSON ，ORTF等多种。这些方式，从声音高保真意义上来说，各有长短。

话筒选择直接关系录音结果。以人声来说，录音与扩声选用的话筒有不同，尤其是流行歌手使用的话筒，习惯叫“近讲话筒”。近讲话筒与普通会议用的语音话筒是不一样的，他不会因为太靠近歌手的嘴唇引起低频提升效应，就是说不会发出“噗噗”声。

近讲话筒的收拾音距离一般在0.5-5cm之间，特别适合流行歌手的主要原因是他对声音的修饰作用。他的好处是，提升了低频和高频，使得歌声饱满明亮动听；由于灵敏度稍低，避免了现场的嘈杂声；防风的作用和良好的避振作用，可以避开气声和摆动带来的不良影响。

近讲话筒的作用发挥的如何，其实还与调音台、调音师调音的好坏关系更大。很显然流行歌手的声音是被塑造出来的。这种话筒不适合用于美声的拾音，也不适合用于其他原声乐器音乐的拾音。

与话筒密切相关的是记录的方式，数字录音是眼下最时尚的词。很多人喜欢数字的录音，尤其是硬件发烧的，因为声音清晰干净，但听音乐的人基本都不大喜欢。为什么？说来有趣，数字的录音，对音乐录音来说，声音却不是最好最真的。我记得国内一位知名的音响人士这样说过。他们做过几张国内享有好评的录音，他说，因为录音最初的拾音，所采用的是模拟的技术。

他说的是，录音使用的话筒，工作状态是依靠前面振膜在外界声波引起空气压力变化下振动，这个过程被认为是模拟的。因此有人也说，这是现在数字技术与模拟的矛盾，并推断说数字录音不能完整记录原来的信息。如果这个推断可以成立，也许可以说，数字录音丢失了信息，因此不如模拟的好听。

世界上著名的话筒生产企业有德国的，奥地利的，美国的等，其中最受录音师欢迎的品牌有Nenman，Schops，AKG，EV，B&k等。我们稍微注意就能发现，不同品牌的话筒，适合的音乐类型是不一样的。录音师有个基本共识，森海塞尔和AKG的，对古典音乐的拾音更为合适。

中国的录音师都非常崇拜B&k4040，并以拥有和使用他做录音或扩声而自豪。这款大名鼎鼎的话筒，价格高达1万多美元。请看在邮电出版社《唱片里的音乐与录音》，作者陈小斌介绍了他们的观点。

北京的录音高人，如陈小兵和邵兵等，非常喜欢B&k4040。他们在与美国泰拉克首席录音师杰克赖纳访谈时候，详细谈到了这个话题。他们告诉杰克赖纳，自己并不喜欢水星的录音，更喜欢泰拉克的录音。也许因此他们很关心杰克赖纳选用的话筒。

杰克赖纳的观点，B&k4040价格很高，特点是“清晰”，“常用来做 爵士钢琴录音”，用来做古典音乐录音，并不是最合适的。杰克赖纳说，古典音乐录音，尤其是做乐队录音，他们选用的是Schops的话筒，因为“声音温暖”。

香港有影响的冯炜国接受《新音响》采访谈到自己选用话筒的体会。他说根据自己的经验，“录打击乐最好选B&k咪，录弦乐就是森海塞尔和旧的AKG更好”（详见《新音响》48期12页）。

由此可见，话筒的选用，与拾音的目的是密切相关，更与录音师对声音的认识与追求密切相关。也是我们理解和认识表现与再现需要注意的。

从业内角度来说，把录音作为作品没有太大的争议。因为一个录音从前提到后期都充满了录音师的智慧。这个智慧，可以理解为一种艺术的东西，特别是它带有的创造性。

为了便于说明这个问题，我们从最能体现录音师个人智慧的后期处理来看看。因为前期只是音乐的“素材”，后期经过处理，才能说是音乐音响。

一位从事录音工作的朋友具体谈到多声道的后期处理，这个过程是“把各轨信号分别输入到调音台，再分别进行均衡、混响、延时等声处理。按节目要求再进行音色、音量、声像的艺术加工，这个过程称作合成节目。”

所谓后期处理，也被称为后期加工处理。这里的“艺术”、“加工”，似乎点出了其中的要害。后期处理复杂的是多声道立体声，除了音乐之外，还应该包括立体声效果和场所的声学特性等。

例如后期的声像分配，就是把前期录音根据要求分配到立体声的左右声道。他要求定位准确和稳定，不能随着强弱变化产生移动。再如录音中的空间音响特性，需要以来声场处理来实现。

由于音乐的形式、演绎的风格以及场所的不同，声场变化很大，所以临场感是不同的。特别是音色的美感每个人的主观感受不同，这些都形成了后期处理时的多变。从这个角度上说，后期处理给录音师提供了“创作”的天地。

某种意义上也可以说，录音是录音师创作的作品。

但是，我更愿意接受这是一种技艺的概念。过分强调这类包含技术的艺术性存在，不利于我们理解和认识它的本质。录音师的所谓创作，毕竟是有前提的。这个前提就是高保真。从这个根本点来看，录音是依据设计而规范生产的产品更为准确。

原声乐器的音乐录音与电声录音是不同的，他们属于不同的概念。我的偏见，电声没有真正意义上的高保真录音。以电声的架子鼓为例，舞台上他的声音是通过调音台扩大出来的；在录音棚是被隔离在另一个小空间拾音，有的需要做上下二个点来记录的。

古典音乐的录音则不然，他们的声音是依靠音乐家人为控制实现的，录音只是记录人为控制声音的这个过程。有些录音尽管为了求得更好的效果放弃现场而选择录音室完成，但通过调整同一空间里各声部的位置达到声音的最佳效果，依然不能通过分割不同空间、甚至控制调音台去控制声音变化的。

电声设备记录声音的特点是诚实的，但是死板的；人耳听音的特点却是综合的，人性化的。例如录音如何记录场所的声学特性就是个难题。为了使录音接近人性化，根据需要借助设备做适当的“矫正”，为录音人员必须的手段，既有前期拾音，也有后期处理。

如何才是接近人性化呢？这就涉及到一个标准和规范的问题，但录音偏偏很难做到统一的标准和规范。有的录音师接受德国人的一种观点，无论手法如何变化，声音怎么处理，录音工程师首先考虑的是声音是否“合理”，主观追求的是声音的再现。由于大家对“合理”的认识不同，更因为再现的办法不同，形成了不同的风格。

音乐录音是努力去接近现场、接近真声，并不是简单的去做声音调整。从以往前人录音的现实经验来看，人工成分越多的音乐录音，声音越假，离现场离真声越远。因此有的录音人告戒后人，尽可能少做调整。这个过程有点像临摹，写的不好的字，越描越黑、越难看了。

现在普遍是少话筒的收拾音，其中古典音乐的录音，大多是一次合成的。《音响季刊》152期还有长文章，具体分析到DG一个时期里用多话筒做的一些录音，声音效果不佳。今天我们都知道，EMI出的切利比达奇的那些现场录音，从声音上来说，彻底压倒了DG精心为卡拉扬做的那些录音。

有的朋友认为录音与监制是分工合作关系。音响论坛192期介绍过“蓝音”录音师的故事，大多数人认为是这个录音师建立了“蓝音”的声音，但录音师把功劳归于监制人。“他说，莱旺所追求的是真实的临场感，以及置身爵士俱乐部现场的气氛。一开始录音都不能让莱旺满意。经过多次沟通与修正之后，才达到赖旺的理想标准----人人称颂的“蓝音之声”才得以确立。”（详见303页）